A importância

de
Robert Kramer

ICE - 1969

ver excerto de 20min aqui


One of American independent Robert Kramer’s strongest “underground” features (1969), arguably his best, made in and around New York before he resettled in Paris. This potent and grim SF thriller about urban guerrillas of the radical left, shot in the manner of a rough documentary in black and white, has an epic sweep to it. (Like many politically informed art movies of the period, starting with Alphaville and including even THX 1138, it was set in the future mainly as a ruse for critiquing the present.) Now as then, the power of this creepy movie rests largely in its dead-on critique of the paranoia and internecine battles that characterized revolutionary politics during the 60s; the mood is terrorized and often brutal, but the behavioral observations and some of the tenderness periodically call to mind early Cassavetes. A searing, unnerving history lesson, it’s an American counterpart to some of Jacques Rivette’s conspiracy pictures, a desperate message found in a bottle.
JONATHAN ROSENBAUM

PAUVRE PIERROT.

Pauvre Pierrot
Emile Reynaud (1892)

PAUL VECCHIALI.

Luc Moullet sur Paul Vecchiali

l y a chez Paul Vecchiali un côté vieille France. Ce polytechnicien a toujours géré ses maisons de production (Les Films de Gion, Unité trois, Diagonale) en bon père de famille, avec amour, rigueur et minutie, comme Truffaut, Rohmer, Tavernier, Varda ou moi, à l’opposé du plus grand nombre, qui ne craint pas les paris aventureux ou les risques de faillite. Ce traditionalisme à tous crins est quelque peu contredit par un regard humain et généreux sur le monde des homosexuels.

Le côté réactionnaire, droitier, voire pot-au-feu se traduit notamment par une grande attention envers la famille, les parents. Sur ce plan, je ne vois que Tavernier qui puisse lui être comparé (Daddy nostalgie, L’horloger de Saint-Paul), avec cette différence importante que Tavernier se situe dans un horizon politique tout à fait opposé.

Vecchiali est, je crois, le seul cinéaste au monde qui ait consacré un film à sa mère (En haut des marches) et un autre à son père (Maladie). Les deux sont d’ailleurs judicieusement couplés sur le même disque du beau coffret consacré à Vecchiali par Antiprod. Un traitement inégal en apparence, puisque le premier est un long métrage de fiction et le second un court métrage documentaire, mais ce dernier a l’avantage d’une plus grande rigueur, d’un pouvoir émotionnel et artistique plus affirmé.

Voici une orientation artistique insolite par rapport au contexte culturel national (le “Famille, je vous hais” de Gide) et par rapport à notre cinéma, qui a plutôt tendance à montrer la fracture entre les générations (Truffaut, Chabrol, Becker, Pialat) ou à omettre la génération d’avant (Rohmer, Godard, Rivette, Resnais).

Paul Vecchiali, dix-huit ans après le décès de son père Charles, a retrouvé son journal, qui relate l’évolution de sa maladie depuis 1952 jusqu’à sa disparition en 1959.

Il a donc filmé ce journal tenu sur un carnet. Les indications qu’il contient sont succinctes, précises. Elles ont une rigueur quasi militaire(1). Le défunt était d’ailleurs capitaine. Et l’émotion surgit de ce contraste entre la sécheresse du texte filmé, accentué par le ton neutre du récitant, et tout ce qu’il contient de dramatique. On a vraiment l’impression d’un mal inexpugnable (nous sommes prévenus dès le début de l’issue fatale) qui progresse sans trêve malgré de courtes accalmies. Tout commence par des crises d’asthme, qui semblent avoir entraîné des affections bien plus graves, puisque le capitaine Vecchiali allait mourir d’un cancer. À moins qu’il y ait eu concomitance fortuite.

Le texte est lu, avec quelques retouches, par Paul Vecchiali, d’une façon assez bressonienne. On pense d’ailleurs au redoublement écrit/voix du Journal d’un curé de campagne. Le spectateur lit plus vite l’écrit que le récitant. Ce qui fait que, souvent, pour garder le dyssynchronisme, Vecchiali commence à lire la quatrième ou la cinquième ligne du texte. Le spectateur doit alors faire un effort pour essayer de retrouver sur le cahier le texte qu’il vient d’entendre. Ce qui augmente sa participation au film.

Vers la fin, l’écriture, fort lisible jusque-là, devient brisée, maladroite. Aiguillés par quelques effets de métamorphose faciale dus à la maladie, que révèle un montage cut saisissant, nous prenons conscience de ce que Charles approche de sa fin, ce dont il se rend bien compte lui-même. Paul Vecchiali ajoute que son père relate son dialogue avec Dieu (il prétend l’avoir entendu), qu’il identifiait la vie à un passage, et que l’éternité constituait la vraie vie.

On retrouve ici l’itinérance des fins de vie. Charles Vecchiali erre de Toulon à La Roquebrussanne, au Luc et à Montpellier: les personnes très malades sont sans cesse à la vaine recherche – souvent contradictoire – d’un lieu, ou d’un hôpital où elles pourraient se trouver mieux…

Le mimétisme entre Charles et Paul demeure saisissant. La moustache commune y est pour beaucoup. Les photos de la famille sont en noir et blanc, tout comme une image de Paul, une photo semble-t-il. Mais soudain, elle s’anime(2). Il a voulu un moment se situer sur le même plan que son père. On croit un instant voir les doigts de Charles, mais ce sont ceux de Paul. Et en plus, Paul parle à la première personne en lieu et place du père, comme s’il voulait prolonger son existence.

Cela surprend dans l’œuvre de Vecchiali, où les protagonistes sont plutôt féminins, maternels (rien que des femmes dans Femmes femmes, Danielle Darrieux dans En haut des marches(3)).

Nous trouvons donc, pour l’essentiel, des plans en couleurs de Paul Vecchiali qui parle, des plans sur des photos de famille en noir et blanc et des plans sur le carnet, avec parfois, comme en surimpression, certaines photos. Mais il ne s’agit probablement pas de surimpressions: cela eut coûté trop cher par rapport à l’économie du film. Ce sont des jeux de miroirs qui renvoient l’image de la photo, quelque peu évanescente, sur les pages du carnet.

Maladie est en fait un no budget film. Vecchiali prétend l’avoir tourné en deux heures. Ce qui me vexe: j’ai passé plus de temps à rédiger ce texte. Nous avons ici la preuve qu’on peut réussir des chefs-d’œuvre touchants, émouvants comme Maladie, avec rien. C’est Maladie qui m’a incité à tourner à nouveau des courts métrages chaque fois que j’en avais envie. En 1978, les réalisateurs de longs métrages se sentaient dévalués s’ils revenaient au court métrage.

Voici, je crois bien, la première fois qu’un cinéaste consacre tout ou partie de son film à sa maladie (Charles étant ici l’alter ego de Paul). Depuis, il y a eu Nick’s Movie (Nicholas Ray, Wim Wenders, 1979), Journal intime (Moretti, 1983), Les derniers mots (Van der Keuken, 1998), Le fil de ma vie (Lionel Legros, 2002), L’insaisissable image (Hanoun, 2007). L’origine de cette complainte de la maladie se trouvait peut-être en fait dans Violence et passion (Visconti, 1975) et à travers l’œuvre de Dwoskin. Le cinéaste cherche à ne pas mourir pour pouvoir finir son film.

On m’opposera que tout était déjà dans le journal de Charles Vecchiali. Paul n’a pas eu grand-chose à faire. Peut-être. Mais c’est le résultat qui compte, peu importe d’où il provient. Il fallait beaucoup de tact, de sensibilité, pour traduire ce journal en film sans le trahir.

Et Maladie recoupe tout un cinéma moderne, fait sur l’écrit et la parole, qui est celui de Bresson et de Straub.

Luc Moullet


1. Dans ce contexte objectif, les très rares adjectifs qui mentionnent la douleur prennent une importance considérable.
2. Vecchiali, de façon discutable, nous trompe un instant : nous croyons avoir affaire à une photo du docteur, alors qu’il s’agit de Charles.
3. Lequel est vraiment le film jumeau : il débute précisément par des photos de famille.






a partir daqui, via Bruno Andrade. Obrigada!

INTERSTELLAR OVERDRIVE.

SAN FRANCISCO 1968

DIRECTED BY ANTHONY STERN
MUSIC BY PINK FLOYD



parte 1

( pedimos desculpa por publicar este vídeo com a pobre qualidade com que, infelizmente, se encontra disponível no youtube.
aconselha-se a que, por todas as suas qualidades particulares, procurem vê-lo com a melhor definição e som possíveis.)







+ para ver
San Francisco Redux: No. 1 (2008)
(Directed by Sadia Sadia, Anthony Stern, Stephen W. Tayler
UK:8 min)




+ para ler

For Anthony Stern, For Life
BY NICOLE BRENEZ
text in www.anthonysternglass.com. January 2009

The filmic work of Anthony Stern derives from a radical energy that reveals for us, in figural terms, the life-drive. In 1968, San Francisco, a masterpiece of psychedelic cinesthesia, explodes cinema, seeking a liberation not only of every sense but also of representation itself – which no longer seems indexed to what is recorded, but connected directly, organically, to the energy of history. How could this have happened? How can Stern’s films, following in the steps of Peter Whitehead, crystallise these precious moments of Western history, the apogee of the counter-culture and the joyous echoes of a Romantic revolution which was then still imaginable, with such justness, pertinence and ‘breath’?


To achieve such a laying-bare of the drive, such direct contact with the origin of desire and the image, obviously requires the highest level of poetic, musical and visual culture to support scopic instinct and historical intuition. This is exactly how Schelling defined intellectual intuition, the ‘mysterious and marvellous faculty of being able to withdraw into the most intimate part of ourselves, beyond all alteration that time brings’, so that ‘it is no longer we who live in time, but time – or rather, replacing time, pure absolute eternity – which is in us’. But Stern’s filmic work elaborates the exact opposite, which thus can be called material intuition: a continual, projective, almost pyrotechnical deployment of intimacy in time, which remodels our conceptions of the instant, the present, the immediate, of speed and history. San Francisco or Wheel concretise and sculpt time or rather the here-and-now, which Stern treats as it were a woman’s body whose every dancing vibration he must follow, whose least clearly outlined movement he must seize. Our life is woven from desires that are sometimes unbound, sometimes terrible, sometimes pathetic, in an unstoppable maelstrom of which Wheel – an intimate, multiple, noisy diary of 1969 – offers an amazing pill-pop, rather like a scientific ‘section’ of the complexity of our affects. Because it proceeds from deep intimacy rather than a priori certainty about things, because it knows that cinema, irremediably, cannot register every vibration (even the most negligible) of the instant, because there is too much to feel and describe in the universe, Stern’s cinema – seemingly asphyxiated by the world’s prodigiousness – adopts the discontinuous, the optical flash, permanent intermittence, the shaky, chopped and blurred, creating a vertiginous ‘cinetic’ compression which is far more faithful to the entwined stratigraphy of the sensible realm than a continuous contemplation of appearances.

Thus issued from an organic breath that is transposed by a magisterial savoir-faire on the levels of shooting and editing, an uncommon sense of rhythm dynamises Stern’s films – for example, Serendipity (1971), a serial documentary on contemporary English architecture, The Noon Gun (2004), a reworking of footage shot in Afghanistan in 1971 – and thus the record of a civilisation which has since largely disappeared – or Havana Jazz (2006).

On reseeing or discovering such radical energy – dead drunk, yet what lucid, translucent, sometimes ironic inebriation! – we ask ourselves a crucial question: where is the cinema of today going to get this kind of energy? In fact, we can keep drawing it from Stern himself. Having achieved fame, long ago now, as a master glass-blower, the maker of Baby Baby (1965) combines his know-how in the areas of poetic documentary and recycling (his 1974 Ain’t Misbehavin’ offers a precious panorama of cinema’s representations of women) with his mastery of glass, conjuring new chromatic, sensual and political marvels. With his collaborators Sadia Sadia and Stephen W. Tayler, he has taken apart that most carnal moment of San Francisco in 1968, reinterpreted it and placed it in historical perspective, thanks to a soundtrack that mixes emblematic political sound-grabs and speeches from the period with an original score. San Francisco Redux (2008) seems suddenly like a documentary on the affective sensuality of a shared memory. Anthony Stern’s festive vindications are as indispensable, as vital as those of Arthur Rimbaud, Maurice de Vlaminck, Herbert Marcuse or his mentor, Peter Whitehead. Stern has seized the bewitching phantoms of time and turned them into celluloid-children who establish, intensify, revive and set loose our collective history.

A morte de Maria Malibran

Der Tod der Maria Malibran
Werner Schroeter (1972)


WATCH ONLINE HERE

SUCRIC.

Des Fantastic Sucric
VICTOR HUGO BORGES (BRASIL, 2001)

Anemic Cinema

ANEMIC CINEMA
MARCEL DUCHAMP (1926)

STAN BRAKHAGE

MOTHLIGHT ( 1963 )

Descobrir os Mistérios em "Villa Agatha".

Agatha ou les lectures illimitées

MARGUERITE DURAS (1981)

WATCH ONLINE (extracto)

: Limão

LEMON
Hollis Frampton

ALICE IN WONDERLAND (1951)

Beatles Electroniques!

b e a t l e s
electroniques


Ken Werner (1969)

HARUN FAROCKI.

excertos

Harun Farocki
http://www.farocki-film.de/


INEXTINGUISHABLE FIRE (1969)




WORKERS LEAVING THE FACTORY

O Caçador.

And from now on
there shall be no more wolves.
JOANA LINDA (2009)
presente no festival MOTELX 09

AND FROM NOW ON THERE SHALL BE NO MORE WOLVES (o caçador) from Joana Linda on Vimeo.

Young People.

Young People
ALLAN DWAN (1940)

WATCH HERE

Grupo Dziga Vertov.

Vladimir et Rosa
DZIGA VERTOV GROUP (1970)




You say US
I say Mao.


British Sounds
JEAN-LUC GODARD + JEAN-HENRI ROGER (1970)






anúncio Shick aftershave
DZIGA VERTOV GROUP (1971)

Good for Nothing.

Good for Nothing
JEAN PIERRE GORIN (1998)
baseado num conto de Italo Calvino.

films by Anger,

KENNETH ANGER

Lucifer Rising (1973)


Inauguration of the Pleasure Dome (1954)

THE PERPETUAL STORYTELLING APPARATUS.

"The Perpetual Storytelling Apparatus is a drawing machine illustrating a never-ending story by the use of patent drawings.

The machine translates words of a text into patent drawings. Seven million patents — linked by over 22 million references — form the vocabulary. By using references to earlier patents, it is possible to find paths between arbitrary patents. They form a kind of subtext.
New visual connections and narrative layers emerge through the interweaving of the story with the depiction of technical developments."

Wristcutters : a love story

Wristcutters : a love story
GORAN DUKIC (2006)



Watch wristcutters in Comedy  |  View More Free Videos Online at Veoh.com

Orson Welles- Don Quixote

Don Quijote
ORSON WELLES ( 1992)


Watch Don Quixote (1955-92, Orson Welles) in Comedy  |  View More Free Videos Online at Veoh.com

Bruce Nauman.

Bruce Nauman

Walking in an Exaggerated Manner around the Perimeter of a Square (1967-68)



Pinch Neck (1968)



Detail from Good Boy, Bad Boy (1985)



Clown Torture (1987)

Celebrating Burden.

"...my prediction from the sixties finally came true: In the future everyone will be famous for 15 minutes."
ANDY WARHOL (1979)



Chris Burden

THROUGH THE NIGHT SOFTLY (1973)
" In 1973 Chris Burden conceives the work Through the Night Softly, to be inserted during 10 seconds amongst the regular Tv advertisements, "4 times a week for 4 weeks". In the original video, longer than the tv ad, he held his hands behind his back and crawled through about 50 feet of glass in Los Angeles pavement at nigh time."



SHOOT(1970)
"Chris Burden's conceptual performance from the early 1970s. Shot on Super-8, 16mm film, and half-inch video. Guided by the artist's comments on both the works and the documentative process."



PORTRAIT (1975)




WATCH HERE BURDEN'S "BIG WRENCH" (1980)

Pedro Rufino.

minha querida clementina ou a paixão dos fortes (2008) from o_homem_do_sovaco_ruivo on Vimeo.

palácio (2005) from o_homem_do_sovaco_ruivo on Vimeo.

Journey to Avebury.

Journey to Avebury
DEREK JARMAN (1971)


Journey to avebury

JUNKTOPIA.

Junktopia
CHRIS MARKER , JOHN CHAPMAN E FRANK SIMEONE (1981)

WATCH ONLINE HERE

C'était quand.

a homenagem de Godard a Rohmer


C'était quand
GODARD


c'était quand, Godard,



De "A Educação Sentimental":

— " C’est là ce que nous avons eu de meilleur ! " dit Frédéric.

— " Oui, peut-être bien ? C’est là ce que nous avons eu de meilleur ! " , dit Deslauriers.






Thanks to
José Oliveira
Daniel Kasman
Ignatiy Vishnev​etsky

34ST NYC Buskers MOVIE TRAILER a film by Chico Alice Peres aka O FóMóiRé

Les Hautes Solitudes

Les Hautes Solitudes
PHILIPPE GARREL (1974)

WATCH HERE

The Lead Shoes, de Sidney Peterson

The Lead Shoes
SIDNEY PETERSON (1949)

VER AQUI

Cocksucker blues.

Cocksucker Blues
ROBERT FRANK (1972)

Honey Bunny.

Honey Bunny
música e realização de
VINCENT GALLO (2001)

NOUVELLE VAGUE - JLG

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Fragmentos de conversas com JLG

Morceaux De Conversations
avec
Jean-Luc Godard
ALAIN FLEISCHER (2007)

extracts

Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard sur Comme Au Cinema

Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard sur Comme Au Cinema

Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard sur Comme Au Cinema

Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard sur Comme Au Cinema

Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard sur Comme Au Cinema

Os melhores anos das nossas vidas.

The Best Years of Our Lives
WILLIAM WYLER (1946)


Parte 1/15

Fúria.

Fury
FRITZ LANG (1936)


parte 1/9

Uma história d' água.

Une histoire d'eau
GODARD + TRUFFAUT (1961)

parte 1

A Preguiça.

La Paresse
JEAN-LUC GODARD (1961)


Parte 1/2

Jeanne Dielman:

JEANNE DIELMAN,
23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles

CHANTAL AKERMAN (1975)

watch here

And Then...

And Then There Were None
RENÉ CLAIR (1945)


PARTE 1/12